Segunda Parte y final.

Hago la pequeña aclaración para hacer notar que este concepto, instaurado por el mundo griego y reprogramado más actualmente para funciones contemporáneas por el cine especialmente norteamericano, es necesario detenerse en el héroe para enriquecer la apreciación de “City of Life and Death”. Desde el semi–dios y dioses griegos, quienes se autovalidan desde sus recurrentes hazañas, hasta el anónimo personaje que cobra relevancia por una situación tanto fugaz como coyuntural -que hace que cambie el destino del mundo, axioma en una muy alta cuota cultivado por el cine norteamericano-, son las dos maneras que tiene el cine para acercar este arquetipo social a sus relatos.


Es que para esta última dimensión, el héroe –sobre todo en contexto bélico/militar- se compone de dos ingredientes fundamentales que lo hacen tanto único como irrepetible en el tiempo. En él pervive por un lado la idea de la “voluntad” y por otro la del “sacrificio”. El héroe contemporáneo se destaca por tener “una elección”, pero a la vez, es una opción para muchos impensada o no viable. Allí radica su singularidad. Es en este perfil donde se colude la “voluntad” de realizar una acción, “sacrificando” una parte de él mismo, ya sea su integridad física, psicológica, etc., o bien anulando sus propias características que tienen que ver directamente con los dominios del ego.

En “Nanking! Nanking!” por cierto que es posible ver la figura del héroe y es por esta razón que me he detenido un instante a explicar un poco su importancia y características. Sin embargo, antes de continuar debo advertir ciertos temores que me rondan entorno al film, por lo cuales perfectamente pudiera no brillar con luz propia, y que dicho sea de paso, muy merecido brillo tiene. Me refiero puntualmente al riesgo inminente que comparar “Nanking! Nanking!” con otra obra bélica contemporánea donde se narran cirscuntancias similares, personajes muy parecidos y tratamiento aparentemente igual. Estoy hablando del film norteamericano “La lista de Schindler”.

John Rabe, fue un empresario nazi proveniente de Hamburgo quien amasó una fortuna en China debido a labores comerciales. En ese entonces se encontraba en Nanjing la capital de China, lugar donde dispuso un área “protegida”, un sitio de refugiados del régimen aliado Nazi representados por el ejercito Imperial Japonés. Así, con sus gestiones e influencias como miembro del Partido Nacional Socialista Obrebro, pudo salvar a poco más de 200.000 ciudadanos chinos desde el régimen opresor luego de la invasión sistemática de ciudades chinas por parte de Japón. Debido a estos méritos es que una buena parte de personas ligadas a los derechos humanos lo han denominado como el “Oskar Schindler” de China, o conocido entre sobrevivientes chinos como “El buen alemán de Nanking”. Lo interesante del asunto es que la película da cuenta de este hecho, al menos desde la dimensión argumental, sin embargo John Rabe, perfectamente podría eliminarse de la ecuación. Su peso es prácticamente nulo en consecuencia de la línea argumental que el film posee y su inhibido rol histórico dentro de la película. Desde esa perspectiva John Rabe es mostrado como una víctima más de la invasión nipona en la segunda guerra, algo que potencia la carga ideológica del film, situación tanto ineludible como corregible por Chuan Lu. En estos casos, personalmente considero la narración desde lo más cercano a una neutralidad ideológica, de lo contrario se presta para una descalificación gratuita perdiéndose el “alma” y contenido del mensaje entre sus líneas. Muere gente de distintos colores y los matan personas que profesan esas mismas gammas de colores, lo importante es el porqué de las muertes y no bajo qué color han muerto. Desde esta perspectiva “la guerra”, como concepto, se tiene y debe reducir a un asunto de valor (moral) de lo contrario estamos destinados a repetir las historias y “pintar” el mismo lienzo, sólo que con otros “colores”.

Considerando lo expuesto y evaluando los elementos similares entre ambos films, tales como la presencia de una figura histórica de un “salvador” –o héroe propuesta por Spielberg-, pasando por la utilización de la infancia como elemento dramático, hasta temas relacionados con la producción técnica, uso del blanco y negro, etc; son el caldo de cultivo para mucha de la “crítica” facilista pueda rotularla como “La lista de Schindler China”, aunque se encuentre en una línea muy diferente a la obra norteamericana.

Esta vez sólo me centraré en uno de los puntos de mayor importancia para cerrar este episodio de la entrada, para ello deberemos volver sobre nuestros pasos hacia la figura del “Héroe”. Ya habíamos adelantado sus dos dimensiones más contemporáneas -la voluntad y el sacrificio-, pues en estas dos películas son claramente distinguibles, sólo que con tratamientos diferentes. Uno, muy del tipo individual, y el otro muy del tipo social, que son justamente los polos ideológicos que ambos países contienen en la formación de sus estados. Me refiero a los Estados Unidos y China respectivamente.

Schindler representa al héroe que reúne en la misma persona estas dos características. Por un lado está presente en él la “voluntad”, que implica una inherente decisión valórica –en el mejor de los casos- y por otro lado, el “sacrificio”, faceta más controversial en la imagen de los héroes, sobre todo si tienen un peso público, histórico o social. El sacrifico proviene de la renuncia de su condición en beneficio de esa decisión de valor, que en el caso de Schindler sostuvo el rescate de buena parte de sus funcionarios de las empresas que comandó para la Alemania Nazi. Ahora bien, en “Nanking! Nanking!” también está presente el “Héroe” sólo que esta vez se perpetua con las mismas características en un rol comunitario, una figura social que apela directamente al sentido de nacionalidad china.

La “voluntad” se presenta en el film en la representación del “ciudadano chino”, siendo curioso que en esta categoría participen tanto patriotas como aliados nazis, lo que habla sólo de lo repudiable del invasor. La voluntad, que en este caso tiene mucho de estoicismo, respira en cada minuto del film, desde la dedicada labor de los soldados defendiendo lo indefendible, hasta las decisiones estratégicas -pero a la vez de sobrevivencia básica- de su pueblo y porvenir entre los chinos aliados nazis. Por otro lado, el “sacrifico”, está representado en una de las más horriblemente bellas metáforas contadas en la historia bélica y este rol está representado cabalmente por “la mujer china de la época”. Con esto me permito terminar el tema en función del héroe y darle un capítulo a este último gran acierto de Chuan Lu.

Recuerdo que mientas veía el film, varias veces recordaba lo que había leido en los avances de la pelicula y me decía: “Dios, pero que reparto femenino te has buscado, todas mujeres bellas y de talento…”, lo cierto es que las mujeres –sin que se me malinterprete de machista- han estado fuera de serie.

El peso dramático, y hasta argumental, se lo toman ellas y lo dominan hasta el final del film. Todo esto por la creencia de Chuan Lu, que parte desde la reivindicación de todos los vejámenes soportados por este género en este doloroso proceso de la historia de su país, sin embargo no sólo se conforma con eso, sino que además se adelanta en materia conceptual sobre la idea de las guerras y el género femenino. Desde la elegante y llena de temple, Miss Jiang, interpretada por Yuanyuan Gao, hasta la rebeldía y sencillez de Yiyan Jiang interpretando a Xiao Jiang, todas sin excepción han estado sobresalientes para el rol propuesto y claramente marcado en la película. Esta vez la mujer, desde su condición de madre, esposa, pareja, etc., pasando por su rol social, sexualidad y de género, ha sido la principal esperanza para sobreponerse a situaciones tan trágicas y deshumanizantes que sólo el nivel de “sacrificio” en la película puede graficar.

Prefiero olvidar todo lo intencionado que pudiere estar pensado el film, los intereses ideológicos son muchos, sin embargo la película da cuenta de aspectos que van mucho más allá de procesos tan fugaces como lo son las ideologías o propuestas políticas. Siento que “Nanking! Nanking!” tiene un mensaje superior que comunicar. Así mismo como lo hiciera Bowie con su personaje “Ziggy”, el poder del mensaje es lo que cuenta y el cómo prepararemos nuestros oídos para escucharlo.

“I had to phone someone so I picked on you...
Tuve que telefonear a alguien, así que te elegí a ti

Hey, thats far out so you heard him too!
¡Hey! ¡Esto es tan genial, lo oíste tú también!

Switch on the tv we may pick him up on channel two
Enciende el televisor, quizá podamos sintonizarlo en el canal 2

Look out your window I can see his light a light
Mira por tu ventana, puedo ver su luz

If we can sparkle he may land tonight a light
Si nosotros podemos brillar, quizá pueda aterrizar esta noche

Dont tell your poppa or hell get us locked up in fright
No se lo digas a papá o nos encerrará en el miedo”

Esta segunda parte es clave en el relato de Bowie. Advierte que todo pasa por un problema de conciencia. Los niños protagonistas del relato deben contactarse con alguien que pueda entender este mensaje, por ello uno llama a otro por teléfono. De esta manera tienen la creencia de que “brillando” podrán atraer luz y eso encierra una verdad poética bellísima. Tendremos que dejar de hacer ideas pobres y convenientes sobre como llevarnos como seres humanos, cambiar nuestras prioridades y buscar lo “necesario”, siendo esta la única manera de entender porqué aún estamos aquí.

El verso cierra con la figura autoritaria del “padre”, es la que nos tiene pendientes sobre qué hacer, qué hablar y cómo comportarnos, no entiende razones y nos encierra en nuestros propios miedos como literalmente escribe Bowie. El llamado es a abandonar las órdenes y constituirse como seres humanos con lo esencial que significa la palabra. Un mensaje lleno de esperanza, pero no por ello menos critico sobre este mundo. Así mismo “Nanking! Nanking!” representa la doble dimensión de este mensaje.
No es de seres humanos lo que la historia nos cuenta, no es de seres emocionalmente desarrollados, ni de seres con un grado de conciencia desarrollado, y lo más trágico es que es una señal tan actual que nos abruma y al mismo tiempo nos entristece. Sin embargo, los sacrificios –con todo el dolor que puedan contener- en el film valen la pena, existe una generación que vivirá y crecerá con una experiencia de vida imborrable. Pese a la guerra, la muerte y el olvido hay más de una lágrima que les recuerda que pertenecen a una raza que así como sufre también puede crecer. El mensaje tanto de Bowie como del film es claro y fuerte.

DATOS TÉCNICOS Directores: Chuan Lu Guión: Chuan Lu Actores: Ye Liu / Lu Jianxiong Yuanyuan Gao / Miss Jiang Hideo Nakaizumi / Kadokawa Wei Fan / Mr. Tang Ryu Kohata / Ida John Paisley / John Rabe

Finalmente y retratando esta idea, existe una secuencia poderosa en el film que se hace cargo de estas reflexiones. Una cadena de manos alzadas gradualmente sobre un sombrío galpón da cuenta de un signo que trasciende el film, llena y empaliza con todas nuestras carencias y perpetua la idea del amor por sobre el sacrificio, dimensión que ancestralmente el “heroe” no comparte. La motivación final es de carácter emotiva y es el amor hacia un futuro el que hace tomar las más dolorosas, trágicas y arriesgadas decisiones. Todo ello supera al héroe en todas sus dimensiones y se emparenta estrechamente con el mártir.

Un reparto con actuaciones que realmente asombran, una fotografía increible suponiendo lo dificil y restrictivo que resulta el trabajo en blanco y negro, un argumento crudo e histórico pocas veces narrado con tanto detalle en donde participan intereses muy estrechamente relacionados, así como una dirección de actores cuidada hasta el minimo detalle consignan el film como un imprescindible del cine de Chuan Lu, pero a la vez de la propia China. Muchos elogios, sólo un par de advertencias y una gran historia. Un enorme imperdible, que pese a la carga ideológica es un film que se hace necesario de ver y no pierde vigencia en el tiempo.

Finalmente dejo una serie de fotos antes de los rodajes que seguramente sólo serán apreciables con el estreno del DVD con los extras del film. Probablemente estos actores marcarán una generación en la China al representar un proceso histórico de caracteristicas tan dolorasas como inborrables en este pueblo de Asia.

Primera Parte...

Desafortunadamente conozco mucha gente idiota. ¿Y ustedes? De esos que las experiencias no les dicen nada, son incapaces de empatizar con un dolor ajeno, sorprenderse con las travesuras de los niños o guardar silencio en los momentos que significa el mayor consejo. Sé de esa gente porque a menudo –para mi fatalidad- se acercan por los motivos más insólitos, pero seguramente no soy el único, y seguramente ya tendrás en mente a gente de este tipo del cuál hablo. Es de esa que nunca suele escuchar y lo más trágico es que es consecuente porque siquiera le interesa lo que puedas decirle, sin embargo, son los primeros en disfrutar de manera orgásmicamente hedonista de la tragedia, muerte, masacres y violencia que puedan conocer sus perturbadas mentes, casi como se tratara de una relación sexual, o yo qué sé, lo que les estimule en igual condición. Si fuera psicólogo diría que es gente enferma, pero como no lo soy, digo que es gente estúpida.

En este grupo se encuentran esos que se tragan completamente la figura del héroe moderna, esa que dice que las atrocidades son completamente justificadas según sólo fines “estéticos”, los que se compran el cuento de la voluntad heroíca en las batallas y se enorgullecen de las masacres militares; los que encuentran atractiva las formas novedosas de matar, o disfrutan de un relato sangriento tanto en películas como en libros –si es que alguna vez leen-; los que se quedan con lo superficial de drama y mientras más bizarro y hemoglobínico sea mejor; son los que no son capaces de contrate el argumento de una película sólo con un gran esfuerzo son capaces de contarte la escena más violenta, sangrienta, macabra o deshumanizada y cree que eso tiene mérito por si mismo en la película. Son esos tipos que gozan cuando Miike hace alguna bizarra representación audiovisual, violenta, sexual u onírica, y si les pregunta que ha querido decir o porqué ha puesto esa escena o secuencia en sus films seguro te dirán con una nerviosa risita algo del tipo de que Miike está loco, que está enfermo, etc, etc, y rematarán con algo así como “pero es un genio”. Ahí es donde no sé si llorar o reírme, pero generalmente opto por no hablar nunca más de cine o algo similar con él. En definitiva, son esos tipejos que suelen abundar en el mundo, no aprecian nada en profundidad y buscan “emociones fuertes” para llenar sus propios vacíos como seres humanos. Algo patético, pero vislumbrando la generalidad, muy merecido para ellos.

Hablo un poco del tema en referencia de todo el dolor y drama contenido en el film “City of Life and Death”, también conocida con el título de “Nanking Nanking”, del director Chuan Lu. Y en parte porque una buena cuota de personajes pudieran estar considerados dentro de esta categoría de gente enferma –…mente idiota- que hago referencia en esta entrada.

El director del film no tiene mucho tránsito filmográfico, sin embargo puedo garantizar que su trayectoria va en ascenso. Parte con una película sin deslumbrar pero cumpliendo los objetivos para dejar conformes a muchos, me refiero a “The Missing Gun” del 2002, paso mucho por la mezcla de códigos genéricos e intentos por demostrar un estilo-aspiración que ya hablaba bien de él como director-, pero debido seguramente a la experiencia, motivaciones poco a poco la película se diluye. No siendo una excelente película tiene reconocimiento sobre todo porque se ve en Chuan Lu un talento en proyección. Luego, el 2004 marca una diferencia bastante notoria con “Kekexili”, película muy bien lograda con mucho argumento y bastante bien retratado. Producción al nivel de la historia, actuaciones muy buenas y elementos como fotografía, puesta en escena, dirección de actores y montaje muy destacables. Gracias a todo ello no fue novedad que ganara en Berlín en una categoría especial, ganara en Hong Kong, como la mejor película, en Shangai y Tokio la mejor dirección, y la lista sigue sumando en nominaciones y premios. Sin duda la experiencia de “The Missing Gun” fue aprovechada en un 100%. Esta vez un guión poderoso, contingente y atemporal como lo es la problemática ambiental. Con gran pericia supo establecer la conexión desde lo argumental hacia lo meramente estético, todo ello utilizando como catalizador el poder que otorgan los códigos del drama, principalmente los que están al servicio de la temática bélica.


“The Mountain Patrol” -como también fue conocido el film-, da cuenta del precio de la necedad, pero también el valor de la convicción. El alma de la montaña también se perpetúa en sus habitantes y cuando ese relato es puesto al servicio de un mensaje poderoso, basado en hechos reales y técnicamente muy bien contado y dirigido, estamos ante una gran película.

Así, llegamos al año 2009 y su reciente entrega. Esta vez se puede apreciar claramente como Chuan Lu ha crecido. Se nota a cabalidad que no sólo ha digerido sus experiencias pasadas, sino que ha dado un paso difícil en los directores, y éste es el alimentarse de esas experiencias. Muchas veces directores muy buenos, otras veces muy prometedores, filman sobre temáticas, preferencias argumentales o técnicas, o en otros casos la contingencia, pero cuesta que esa experiencia, tan “de hacer cosas”, se traduzcan en una línea conceptual que finalmente hará que su trabajo sea coherente, y en consecuencia, le de un estilo que logre hacer escuela en cuanto a dirección. El director debe lograr esa conexión con sus experiencias -sin olvidar lo que hemos hablado al comienzo de esta entrada en referencia a nuestras capacidades como seres humanos-, es sólo de él el trabajo de no sólo tomar conciencia de sus logros sino que de alimentarse de ellos en beneficio de un nuevo material. En ese sentido la labor del director, es una labor artística, no exclusivamente técnica, y es la que hará la diferencia entre un “buen director”, un “gran director” y un “maestro”. Si pierde esa conexión, finalmente no hará cine sino sólo películas.

“There’s a starman waiting in the sky
He’d like to come and meet us
But he thinks he’d blow our minds

There’s a starman waiting in the sky
He’s told us not to blow it
Cause he knows it’s all worthwhile”

La poesía es lo más cercano a “la verdad” del hombre, lo que nos define o lo que somos en esencia. Seguramente la razón es porque existen menos intermediarios entre nuestras mentes y esta idea esquiva llamada “verdad”.

¿Han escuchado hablar alguna vez de “Ziggy Stardust”? Bueno, algunos seguramente no. “Ziggy Stardust” es uno de los alteregos de David Robert Jones , también mundialmente conocido como David Bowie, un talentoso excéntrico, artista y músico que se diera a conocer por allá por los años setenta, mezclando la Psicodelia y el Glam Rock, artes teatrales y experimentales, todo al servicio de la música. Bowie por allá por 1972 da con el álbum, que según la crítica, es uno de los 25 mejores de todos los tiempos en la historia de la música. Me refiero a “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”.


El disco parte con una propuesta conceptual increíblemente bien pensada y desarrollada. Bowie crea un personaje extraterrestre con la misión de advertirnos sobre el fin del mundo.

Así, “Ziggy Stardust”, este extraterrestre parte con el mensaje apocalíptico anunciándonos que dentro de cinco años el mundo se acabará, todo ello en el primer track del album llamado adecuadamente “Five years”. Luego, con el segundo sencillo, “Soul Love”, Ziggy se emociona al descubrir que dentro de estas áridas tierras existe el amor. Posteriormente en “Moonage Daydream” este extraterrestre despierta en una tormenta de ideas y se propone formar una banda de Rock con la cuál comunicar su mensaje estelar. Y sin dilatar más las líneas, es en el cuarto single llamado “Starman” -citado en la entrada-, donde los niños de la tierra son protagonistas. En este tema surge una conversación entre dos de ellos. Ziggy se ha contactado a través de la radio, comunicando su profundo e importante mensaje a los humanos.

¿Pero dónde está el sentido de todo esto? ¿Por qué extraña razón pongo estas líneas siendo que debiera comentar una película asiática?, pues razones pueden existir muchas. Algunos ya empiezan a ver cierta lógica en todo, en cambio a otros nos tienen que ayudar un poco, es tal cual lo que propone Bowie con la creación de su personaje.

“Hay un hombre estelar esperando en el cielo,
Le gustaría venir y encontrarse con nosotros
pero teme que perdamos el juicio.

Hay un hombre estelar esperando en el cielo
Nos ha dicho dicho que lo perderíamos -el juicio o razón-
pero sabe que bien vale la pena.”

De alguna manera “perder el juicio” constituye la metáfora para darnos esa esperanza necesaria que nos salvará del destino destructivo y apocalíptico al que estamos destinados. Luego de 5 años cobrará factura y hará que nuestro mundo se acabe según la ficción de Bowie, pero esos 5 años pasan a diario, muchas veces en segundos. Muerte, destrucción y deshumanización son tan recurrentes y cotidianos que ya no es difícil sorprenderse de algo. Así, “el extraterrestre” muchas veces cobra sentido, se vuelve real, un ente que empatiza con nuestras desgracias como humanidad y cobra conciencia y sentido en el mundo al que pertenece. Vivimos a través de ese paradigma, y en la medida que no se cambie, este nuevo hombre no será posible, estará condenado a vivir en las estrellas -sólo internamente- y no participar en el mundo. Todos somos en parte ese “hombre estelar” que espera en las estrellas, pero teme que si llega para quedarse, perdamos el juicio. Un juicio que hasta el minuto de nada nos ha servido, pero pesa el temor a descubrir otra existencia, algo para lo cual aún no estamos preparados.

Un poco de todo esto trata el film. Un drama bélico de la segunda guerra, pero por lo que ya adelantamos, no lejos de lo contemporáneo.

Antes de continuar quisiera aclarar ciertos puntos. Sobre todo cuando se trata de una película que narra la coyuntura política o ideológica de facciones con intereses históricos, políticos o económicos que se arrastran hasta la actualidad: tiendo a observar con desconfianza. El cine es, además de un arte, un medio de comunicación potente en el cuál desde siempre se ha hecho proselitismo por lo que ante ese hecho siempre conviene establecerse desde la lejanía. Sin embargo, existe una dimensión innegable, donde nadie puede salir beneficiado sobre todo en acontecimientos bélicos, guerras o disputas de poder en donde existen gente, seres humanos, que sufren sin tener parte en ambiciones o responsabilidades de poder.

Bajo esa perspectiva -y siendo sincrónico con Ziggy-, es en lo que me quiero enfocar al comentar la película, fuera de todo lo que se pueda decir sobre las condiciones técnicas. Y antes, como ya es comúnmente acostumbrado, conviene dar la inevitable sinopsis del film.

“City of Life and Death” (2009) es un drama bélico, rodado completamente en blanco y negro, algo tremendamente arriesgado sobre todo tratándose de una gran producción. Abriré un pequeño paréntesis para explicar que los realizadores no tienen la completa libertad de crear sus obras, siempre son dependientes del financiamiento, el cuál en gran medida es provisto por los productores que deben velar sobre la factibilidad económica del proyecto. Así, una gran producción bélica, donde hay explosiones, mucho humo, texturizaciones interesantes para dar la ambientación adecuada, además del gran trabajo en vestuario y atrezzo, no tendría que correr el riesgo de privar el color en beneficio de lo que seguramente le dará un toque de dramatismo. En el film el riesgo se corre y la apuesta se gana con creces.


“Nanking Nanking” cuenta una parte de la historia bélica de la humanidad y a su vez parte de la historia común entre los países asiáticos, mucho de estos antecedentes explican en gran medida la idiosincrasia y formación cultural de los países en relación a sus vecinos.

El argumento está basado en hechos reales que acontecieron en pleno desarrollo de la segunda guerra chino-japonesa. La historia cuenta que el 13 de diciembre de 1937 tropas del ejército Imperial Japonés toma la capital de China de ese entonces, Nanking, resultado luego de un tiempo en uno de los actos bélicos más vergonzosos en la historia de la humanidad. La “Masacre de Nanking” también conocida como la “Violación de Nanking”, es motivo de vergüenza aún hoy en día por muchos sectores del Japón. En este período de semanas decenas de miles de soldados y civiles chinos fueron ejecutados, sin mencionar la cantidad de atrocidades, violaciones y vejámenes en contra de los derechos humanos que se perpetuaron en el periodo de guerra entre estos países. El relato argumental consta de una serie de historias todas conectadas entre sí al participan de un ambiente en común, una suerte de relato coral que pone énfasis en cada historia a lo largo del tiempo total de film.

Las historias van desde la ficción al relato histórico, donde es posible distinguir a John Rabe, un empresario nazi quien finalmente fue el responsable de la salvación de cientos de chinos amenazados de muerte, así como otras historias genéricas como el de un misionero extranjero, un arquetipo del soldado japonés de la época, un maestro de escuela, así como muchos personajes secundarios que en virtual simbiosis participan de los relatos siendo protagonistas de la situación general.

El film narra uno de los episodios más tristes de la historia bélica de oriente, sobre todo de la propia China, la que incluso hoy día, en el aniversario de este fatídico episodio suenan las sirenas en Nanjing, actualmente capital de la provincia oriental china de Jiangsu, lo que revive amargos recuerdos de los momentos más duros del pueblo chino durante la guerra contra la invasión japonesa. Miles de chinos de todos los escenarios políticos y socieles, incluidos compatriotas de Hong Kong y Taiwán se reúnen en el Museo de Nanjing para recordar a las víctimas de la masacre cada año.


Hay mucho que decir aún, existen antecedentes históricos, enfoques éticos, planteamiento argumental, realización técnica, actuaciones, entre muchos otros motivos para continuar la entrada por lo que esta vez optaré por cerrar la primera parte e inciar la otra mitad de la entrada.

Hace pocos años atrás se aprobó “La Declaración de Paz de Nanking”, en ella se hace un llamado desde los deudos, sobrevivientes, familiares y niños, así como cualquier otra organización pensada desde la creencia en el espíritu humano y su capacidad aprender de sus errores invitando a “aquellos que aman la paz para que se unan en la construcción de un nuevo mundo pacífico, armonioso y reconciliador”. De esta forma reconozco en el film la oportunidad de poder volver sobre nuestros pasos, ver la forma en que actuamos y finalmente revelarnos ante el letargo del tiempo -que nos tiene sumida la costumbre-, y creer un poco más en ese “hombre de las estrellas” que subyace en nosotros esperando un tiempo en el cual despertar.

Según “Ziggy” nos quedan cinco años, lo cierto es que a veces se siente una eternidad ya que la destrucción no parece acabar.

Pocas veces es posible ver un film, compuesto de 3 historias cortas que constituyan una buena película casi con una consecución de guión, muy bien pensados argumentos y con la mano y sello de tres directores diferentes. Una verdadera construcción orgánica que invita a la reflexión como principal objetivo. Este es el caso de “Tokyo!”

Con mucho dolor deberé separar la película mediante sus tres narraciones, sin embargo con el paso de las líneas iremos descubriendo lo mucho en común, paridad y hermandad que poseen entre sí.

El film multinacional lo integran tres naciones participando conjuntamente Corea, Japón, Francia y Alemania y se compone por los relatos titulados: "Interior Design", "Merde" y finalmente "Shaking Tokyo".


Primer Segmento:

Partamos en el orden arbitral que se le ha dado a la obra y hablemos un poco de la sinopsis de la película. El film parte con "Interior Design" del director francés Michel Gondry, muestra un poco la forma más cotidiana y contingente de un Tokio muy al estilo moderno. La historia narra como 2 jóvenes aficionados al cine entran al mundo de la urbe intentando posicionarse desde sus ambiciones e intereses a un mecanismo sin tregua, como lo es la vida dentro de una ciudad sobrepoblada y de escasas oportunidades.


Con el correr de los minutos pronto se dan a conocer los temas que mueven el corto, particularmente la dualidad que se genera en el interés y desarrollo personal, por sobre el desarrollo social y como conglomerado cultural. Así, luego de las dificultades que van desde conseguir un buen estacionamiento para el auto, hasta un buen empleo y vivienda, los personajes deambulan entre la ensoñación -producto de la frustración de no constituirse como seres completos en la urbe- y la responsabilidad de hacerse cargo de sus vidas. Gracias al peso de los acontecimientos, que aunque cotidianos no dejan de marcar presión sobre nuestros protagonistas, todo culmina con validar el axioma último, el que nos dice que las “cosas” representan una vida mucho más simple que las personas. Toda la crítica del relato va en esta línea, donde en un afán de simplificación, estratificación y utilitarismo se nos transforma en objetos útiles, meros medios para que “otros” puedan alcanzar sus objetivos El principio de “economía” es brutal, sacrificando nuestras propias aspiraciones por un bien último el que sólo nos deja la opción de que sea similar al nuestro. Por este motivo lo que parte con la manifestación de arte visual, termina sumándose al arte musical, con un aporte tan anónimo que resulta casi invisible.


Es por esto que finalmente “la silla” viajera cobra sentido en la habitación de un músico. Lo que brinda soporte y a la vez marca un sacrificio de ella misma en servicio de otra causa. Este dilema muestra la falta de oportunidades, deshumanización y empatía hacia quienes tienen aun sueños en un mundo que cada vez les reprime soñar.


Segundo Segmento:

Luego la película continua con “Merde” del director Leos Carax. Una historia extravagante pero no por ello menos profunda que su antecesora. Menos poética que "Interior Design", el relato gira en torno a la crítica desde la sátira.

El peso del relato recae esta vez en un sólo personaje mediáticamente denominado “el monstruo de las alcantarillas”. Corresponde a un hombre extraño, fuera del contexto de la urbe, una mezcla entre un paria, vagabundo y resentido social. Este monstruo asola la ciudad en busca de dinero en efectivo y flores, elementos que literalmente le sirven de alimento. Llegado un punto del relato éste supera el sólo ocasionar pánico y extrañeza en la ciudad, armándose de bombas comienza a causar daños materiales y en vidas humanas en pleno corazón de Tokio. Ante estos últimos hechos, lo que representaba una molestia constante en la sociedad se torna en un peligro para ella misma, por lo que sin mucho reflexionar se le da juicio en los tribunales.


“Merde” sin duda es la historia menos unívoca de todos los relatos. Pudiera causar sentimientos encontrados, conmiseración o desprecio indistintamente de lo correcto que pudieran ser las interpretaciones. Bajo ese punto de vista hace que su protagonista sea una los personajes más interesantes y complejos de toda la película.

La imagen de "merde" en su rol protagónico puede ser vista como un personaje tremendamente mesiánico o bien como una metáfora del propio hombre, siendo a la vez la figura de la "salvación" y la "condena" al mismo tiempo. Por un lado se le condena, pero por otro nos salva al enrostrarnos lo que somos y lo que podemos llegar a hacer; y a la vez su condición de ser creado -por nosotros- lo hace inocente hasta el final, ya que justamente el creador (apúntese nuevamente: nosotros) lo condenamos a dejar de existir. Pero, para nuestra sorpresa, éste no perece sino que desaparece, demostrando que es algo propio, un fragmento casi involuntario de nosotros mismos. En el fondo se representa a una parte del hombre, que dependiendo de cómo la utilicemos nos concede la redención o la culpa indistintamente, y según las cirscuntancias.

Esta idea queda más clara observar la metáfora de su alimentación. Flores y dinero, 2 conceptos polarizados y en constante pugna en las sociedades. "Merde" consumía dinero en efectivo como cualquiera de nosotros lo pudiera hacer en un mall o tienda, pero a la vez las flores representaban sus sueños y con ellas sus esperanzas, por ello su lecho durmiente es justamente una cama de con flores y vegetación, algo impensado en el alcantarillado.


Luego, si vamos a la raíz de su odio hacia la humanidad, nos topamos con un diálogo que pudiera ser xenofóbico pero también revela algunas certezas indiscutibles. Su crítica hacia "la vista" no es algo que hay que dejar pasar. Pese a que tecnológicamente la sociedad actual -y con mucho mayor grado la nipona- representa un ejemplo en avances de la técnica de cara al futuro, su ceguera en los aspectos humanos marcan una tendencia mundial -sobre todo contrastándolo con ese primitivo ser protagonista de la historia-; en definitiva, una sociedad que por la aspiración de automatización se vuelve cada vez más autómata. Cuando hace alusión a los ojos, en el fondo los relaciona con motivaciones notoriamente viscerales, casi instintivas, que no van de la mano con sus avances en la técnica. Así, pronto se olvida el "espíritu" y prima el "número". La "visión reproductiva" del hombre que ha hecho ver Merde, lo autodestruye en la medida que deje de autoconstituirse como tal en todos sus aspectos que lo conforman (numéricos, humanos, espirituales morales, etc.). En eso "Merde" tuvo claridad y su verdugo -nosotros- sólo le rebatimos el lado más "cosmético" de su denuncia.


Dentro de la riqueza argumental también es posible dar con la idea “mesiánica”(cristiana), salvo que en el relato perfectamente su "Dios" bien podría ser el propio hombre. Sus creencias no distan mucho de lo que se estila en materia política o económica mundialmente, ahora lo que hacen o deshacen conglomerados, acuerdos, o coaliciones de países son necesarias y bien vistas, sin embargo cuando las hace una persona individual, es materia de enjuiciamiento y condena. Léase intervenciones, boicots, muerte, etc. que desarrollan poderosos conglomerados para permanecer en el poder. Situaciones que de darse en un grupo reducido o persona individual son inmediatamente condenables, justamente lo que el personaje vivió en el relato.

Finalmente el objetivo no es validar uno sobre el otro, sino invalidar por igual estos mecanismos porque parten desde un punto en común. Siento que el tema religioso es una parte de lo que el "problema de merde" quiere expresar. Así, la idea del "Jesucristo obsoleto" -propuesta en algunos foros, y para mi muy válida- complementa de buena forma la relación hombre-hombre y esta vez no hombre-Dios como lo quiso hacer el cristianismo. El paradigma de que "el hombre es un Dios" es el que ha imperado en estas últimas décadas y "merde" sólo sigue sus enseñanzas como lo pudiera hacer un discípulo de Cristo en Galilea. Por ello juega con la vida y la muerte, lo establecido, lo protocolar, etc., todos dogmas de plástico –siempre convenientemente aplicados por el hombre- de estos últimos siglos. Sin embargo, es condenado al enrostrarnos que ese paradigma no es real y se transforma en crítica, pero aunque es una ficción conveniente, es beneficiosa para el hombre como generalidad y su sentido de existencia. En definitiva "Merde" se hace cargo del vacío moral que ha desarrollado el hombre, es por ello que se le suele ligar a la religión -siendo ésta la representante de este concepto por mucho tiempo-, pero lo moral es propio del hombre y no de Dios.

Si sumamos que el porqué se le denomina "el monstruo de las alcantarillas", podemos entrever que se trata de una figura no lineal -ni menos evidente-, y requiere un trabajo interno hacia nuestro propio "oscuro mundo" para reconocerlo. Todo ello producto de una profunda autocrítica, de lo contrario se cae en el facilismo de enjuiciar un eufemismo que representa “lo malo para…” en vez de “el mal que hace…”.


Tercer Segmento:

Finalmente “Shaking Tokyo”, aunque cae la representación de un localismo muy nipón, da cuenta de los temas tangenciales abordados por sus pares. Esta historia con tendencia a ambientarse en un futuro próximo deja un sabor de esperanza en sus líneas.

“Shaking Tokio”, el último corto, narra la vida de un “hikikomori”, una especie de ermitaño actual que se encierra por voluntad propia bajo el techo de su hogar y niega la vida social así como el contacto con otras personas. Este mal psicológico es endémico de Japón y constituye un problema grave en los modelos sociales de la vida nipona. Comúnmente se trata de adolescentes que producto de las presiones sociales, exitistas y orgullo familiar renuncian a la obligatoriedad de la competencia relegándose en el anonimato que le dan sus piezas. Teniendo en claro lo que la idea real del “hikikomori” representa es más fácil acercarse a la narración ficticia de Joon-ho Bong…


En el relato pesa mucho la conciencia del valor de la “renuncia”. El cómo afrontamos la renuncia de un sentimiento, una palabra o un rol social es lo central de la historia. Esto es posible verlo recién en el nudo de la historia que es justamente cuando la repartidora de pieza establece un contacto –hasta el momento no permitido- con el hikikomori. En ese minuto éste toma conciencia de su renuncia y eso se grafica puntualmente en el temblor de la ciudad que se dio en ese momento.

Luego la narración deriva en lo único que puede salvar lo insalvable, me refiero a los sentimientos humanos. Así nuevamente “la renuncia” se ve latente en la historia cuando el protagonista debe decidir dejar su antigua vida para encontrarse con esta chica. Este ultimo aspecto es interesante ya que no se entregan los códigos suficientemente claros para que se vea claramente opciones de carácter emotivo conyugal -romántico en último caso-, sino más bien lo que se ve es la conciencia de la pérdida que por opción propio se vio relegada. Puntualmente su decisión de no socializar con nadie.


Al correr de los minutos nos damos cuenta que este mundo -el real, y externo al personaje- no se aleja mucho del construido por nuestro protagonista. El aislamiento, la falta de empatía y comunicación son procesos comunes en la vida a diario. Así mismo, con el recorrer las calles vacías en búsqueda de esa mujer que le cambió la perspectiva del mundo, siente la necesidad de a su vez cambiar "el mundo". Su existencia no es la que quiere para su futuro, ni lo que quiere vivir desde ese minuto en adelante, su única esperanza es sacar ese anhelo –representado por la muchacha- desde su propia e interna habitación.


Luego de este paseo por los relatos que componen “Tokio!” es posible darnos cuenta de muchos puntos en común. El tinte de crítica, las problemáticas de la vida moderna, así como el problema valórico actual es lo que representa en generalidad el film. Estos rasgos son acentuados mediante lo muy bien que se complementan e incluso retroalimentaban en beneficio del film. Bajo un tinte crítico -que va desde la xenofobia hasta el retrato del consumismo, la deshumanización, entre muchos otros temas clave- los 3 cortos se mueven en el territorio de "lo perdido", lo que hay que rescatar, no sólo en el propio Tokyo, que resultó ser la excusa para contar historias modernas -casi no imagino nada más moderno que Tokyo como ciudad, quizá la razón de su elección-, sino que procesos y dinámicas propios de la vida urbana que nos son identificables bajo cualquier nacionalidad.

Siento que el tema se extiende mucho pero como en toda obra bien realizada siempre es posible hablar de algo más que nos llama la atención o pone la voz de alerta en su realización.

DATOS TÉCNICOS Directores: Joon-ho Bong (segmento "Shaking Tokyo") Leos Carax (segmento "Merde") Michel Gondry (segmento "Interior Design") Guión: Joon-ho Bong Leos Carax Michel Gondr Actores: Jean-François Balmer Denis Lavant Ryo Kase Satoshi Tsumabuki Yû Aoi YosiYosi Arakawa

Otro aspecto que me agrado de sobremanera como película es que posee una buena temporalidad y las narraciones se alimenten de ella para brindar coherencia a sus relatos. El orden secuencial es posible hacerlo tanto desde un punto de vista temporal como psicológico, mostrando "tiempos internos"-tiempos que nos tomamos para asumir la realidad, propio de las personas- y "tiempos externos" -tiempos que van de la mano con procesos mecánicos que suelen ir más rápido que los mentales, siendo en definitiva un tiempo cronológico- los que son plasmados de forma coherente y lógica en la película. Desde la llegada de unos visitantes al saturado y multipoblado mundo de "cosas" y "utilidades" de la urbe en "Interior Design", hasta la consecución final de la individualidad en su expresión más radical resultando un mundo "Hikikomori", sin dejar de pasar por la crisis necesaria de un "Merde" que marca la necesidad de cambios tanto internos como externos.

Me ha gustado mucho el film, creo que en su forma crítica abarca desde la poesía hasta la sátira seguramente todo ello propio de la ventaja de tener 3 directores pensando el mundo desde sus propios "Tokyos".